domingo, 17 de diciembre de 2017

Rockrítico Weekly: Cloud Nothings + Donna Summer + Living Colour

CLOUD NOTHINGS - LIFE WITHOUT SOUND (2017)




De un tiempo a esta parte, Cloud Nothings se han convertido en uno de los nuevos grupos de rock que más elogios ha recibido de la crítica, con ese sonido indie punk que tiene un público tan fiel. En sus inicios, especialmente en el que es su disco más reconocido Attack on Memory, su agresividad y energía estaban muy presentes, pero como suele ocurrir con estas bandas, se suavizan con el tiempo. Por eso "Up to the Surface" es un tema tranquilo que está más cerca de Good Charlotte que de Fugazi. Antes daban berridos y eran peligrosos, y en ese sentido lo que aquí se escucha es una regresión. Pero mejor eso que ser Simple Plan forever and ever, ¿no?

miércoles, 13 de diciembre de 2017

Regina Spektor - Soviet Kitsch (2004)



JORGE: Es diciembre y hace sol, ¿por qué no escuchas mi canción? ¡Hey, ho! ¡Todos al paredón! Y después de este breve inciso fruto de no saber cómo empezar, que nos hable Álvaro de Regina Spektor y sus aires arrusados en Soviet Kitsch, o algo, ¿no?

ÁLVARO: Siempre soy yo el que habla. Bueno, igual no siempre. Soviet Kitsch es el único álbum hasta la fecha que personalmente no había escuchado antes de la elección de nuestras críticas. Si bien amaba el single “Us” que aquí se encuentra y del que hablaremos detalladamente más tarde, por lo que a mí respectaba el resto de la discografía de la señora Spektor me era totalmente ajeno. Pero estoy hablando de mí, así que hablaré de Spektor ahora. Nacida en Rusia y con el sueño (como todos los rusos, a mi entender) de convertirse en pianista clásica, tuvo que emigrar a Estados Unidos porque su familia no estaba cómoda con el antisemitismo que imperaba en ciertos sectores de la sociedad soviética. Convertida en cantautora un poco peculiar, se recorrió los garitos de moda de Nueva York con sus pintorescas canciones, en las que el piano jugaba el papel co-protagonista junto con la voz de Spektor, rica en gorgoritos y matices de ese estilo. Soviet Kitsch fue su tercer álbum y también su debut con un sello de los grandes. Y a partir de ahí, bueno, encontró su sitio en el panteón de las cantantes a un piano pegadas. Creo.

domingo, 10 de diciembre de 2017

Rockrítico Weekly: Adam Green + Robyn + That Petrol Emotion

ADAM GREEN - FRIENDS OF MINE (2003)



A primera vista, Adam Green es otro de esos cantautores indie que son bichos raros con una guitarra en su habitación. Ex-miembro de los Moldy Peaches, banda puntera del movimiento anti-folk neoyorquino que también vio nacer como artista a la persona que nos ocupará en la crítica de la semana que viene, lo que nos ofrece "Bluebirds" de entrada es un sonido soleado y melancólico, como un pop barroco y algo twee, muy de otra época, aliñado con algunas de las letras más extrañas que recuerdo ("Cleaning out my wisdom teeth / I found a diamond in my gums"). La voz de Green es cálida y grave, no especialmente expresiva, pero para eso están las cuerdas, para añadir el preciosismo cuqui que evita que las canciones se parezcan a las de un campamento episcopaliano.

miércoles, 6 de diciembre de 2017

Manic Street Preachers - Everything Must Go (1996)



ÁLVARO: Hoy es el día de la Constitución Española. Dato curioso. Eso tiene que ver, de alguna manera u otra, con el disco que reseñamos a continuación, un clásico de un trío galés que respondían al nombre de Manic Street Preachers. Y como quien nos pidió esta crítica es también nuestro metalero becario, Zlatan, pues le llamamos a filas (o se llamó él, ya no sé) para que nos apoyara. Somos tres, como tres eran los Manics, aunque a nosotros no se nos ha perdido nadie. ¿No?

ZLATAN: Hombre, por el camino han pasado muchos redactores que desaparecieron. Pero tenemos noticias suyas, no como en el caso de Richey Edwards, del que no se sabe si está en la India, en las Canarias, muerto tras tirarse por un puente o preparando su regreso a los Manics.

JORGE: Bueno, ahora que se ha callado el pesado infiltrado este, hablemos los mayores. Como han dado a entender mis compañeros, Richey Edwards, guitarrista y co-letrista de los Manics cuando aún eran cuatro, desapareció un aciago día de 1995, o por ahí. Este disco, que salió un año más tarde, supone la evolución del también increíble The Holy Bible, y en muchos aspectos, si no todos, un puente con la etapa de Edwards y un testimonio de que los Manics no estaban, ni mucho menos, acabados. ¿Sí, o sí?

domingo, 3 de diciembre de 2017

Rockrítico Weekly: Discharge + Die Antwoord + Fripp & Eno

DISCHARGE - HEAR NOTHING SEE NOTHING SAY NOTHING (1982)




Discharge fueron una de esas bandas increíblemente influyentes, que tomaron el punk anti-todo de los Sex Pistols y lo llevaron un par de pasos más allá, tendiendo un puente entre ese género y otras corrientes más extremas como el hardcore o incluso el thrash (sin olvidar a su propio subgénero, el "d-beat", caracterizado por ese ritmo omnipresente: "tum-tutum-tutum"). Hear Nothing See Nothing Say Nothing son veintisiete minutos de tralla pura que abren con el tema de título. Como unos Motörhead punkarras, en minuto y medio se suceden riffs demoníacos, un solo de guitarra vertiginoso y los gritos desaforados del cantante Cal Morris.

miércoles, 29 de noviembre de 2017

Boris - Boris at Last -Feedbacker- (2003)


JORGE: Como flores de cerezo en un invierno en el bosque de Aokigahara, que no sé si tiene cerezos, pero creo que no, este Japomés toca a su fin y cierra sus pétalos con una despedida que parece más una introducción, pero mira, es lo que hay. Total, que volvemos por última vez con un grupo extraño, ecléctico, principalmente instrumental, con canciones que ocupan el disco completo, y un nombre que no me queda del todo claro cómo es. Esto es Boris at Last: Feedbacker, de los tokiotas noiserockeros Boris.

ÁLVARO: Esta será una crítica divertida, en la que diseccionaremos lo que es un clásico que hemos dado en llamar... ah, si ya has dicho como se llama. Es que no te leo, por eso a veces repito cosas. En fin, Boris no es solo el tertuliano salidorro de Crónicas Marcianas (bueno, era, que ya ha llovido), o aquel primer ministro ruso con tanto pelazo, si no también una banda, un power trío japonés, que pese a no gozar de la misma fama en su patria que otros de los que aquí hemos reseñado, son quizá los más respetados fuera de sus fronteras. Lo suyo es el drone, un género muy underground en más de un sentido: suena como si viniera del centro de la tierra, como una masa de magma que se desliza lentamente. Pero no es tiempo de ponerse poéticos.

domingo, 26 de noviembre de 2017

Rockrítico Weekly: Tatsuro Yamashita + Kōenjihyakkei + Ground-Zero

TATSURO YAMASHITA - FOR YOU (1982)




Hoy nos las vemos con el enésimo subgénero nipón que descubrimos este mes: el city pop. El sonido es sofisticado y artificial, una especie de versión asiática del yacht rock norteamericano de Miami y Los Angeles. Como el nombre del género indica, es un sonido urbano que también bebe de la música de baile. Así que tenemos un cóctel maravilloso, al menos en lo que a mi respecta (¡la mezcla entre Rick James y Boz Scaggs, al fin!). Por si fuera poco, es un disco influyente, puesto que la combinación descrita es también el germen de ese movimiento virtual, casi más un meme que otra cosa, el Vaporwave (si no lo escribes así no cuenta). Pero esa es otra historia, y será contada en otra ocasión.

viernes, 24 de noviembre de 2017

BABYMETAL - BABYMETAL (2014)



El mes especial de Japón sigue adelante y yo me pongo a pensar de qué pasaría si un grupo de metal se juntase con un grupo de J-Pop. Ya saben la dureza y la contundencia del metal con las voces inocentes de unas adolescentes japonesas. No soy el único que ha pensado sobre eso, ya que el productor Amuse Kei Kobayashi (ahora conocido como Kobametal) pensó que lo podía petar. Y vaya si lo hizo.

Babymetal ha pegado fuerte en el metal. Y ya no como fenómeno viral ni como curiosidad extraña. El grupo se ha consolidado como uno de los grupos emergentes del metal con más éxito. Ya han traspasado la barrera y llegar a Occidente, tocando en festivales prestigioso como el Download. La revista Metal Hammer afirmó que su disco homónimo era el mejor del género del siglo XXI. Incluso ha llegado a colaborar con leyendas del género como Rob Halford de Judas Priest.

miércoles, 22 de noviembre de 2017

The Seatbelts - Cowboy Bebop (1998)



ÁLVARO: Que bonito es todo este Noviembre, este Japomés que tantos descubrimientos nos ha regalado. Mientras veo la final de MasterChef, escribo esto con mi querido Jorge, que hoy será el verdadero alma de la reseña. Hoy nos toca la banda sonora de un anime que no he visto, y él se ha tragado en una semana sólo por esta crítica. Así que en tus manos dejo la introducción.

JORGE: Oioioioi. Pero qué ilusión que me hace ser el hihan no tamashī hoy, jope. Cierto es eso de que me he tragado al completo Cowboy Bebop esta semana, con la excepción del último capítulo doble que no he podido finiquitar porque mi internet es basura. Cuestión esa aparte, para quien no la conozca, la serie es una suerte de space opera muy influida por el western y el noir, que destila a chorros amor por la música: cada capítulo, de hecho, lleva por título el nombre de una canción. Y de esa guisa, responsabilizaron a los Seatbelts, liderados por Yoko Kanno, que ya había trabajado en cosiñas en cine (arreglos para Miyazaki, y todo), TV, juegos y anime, de la banda sonora. Aunque en realidad eso no es del todo cierto: responsabilizaron a Yoko, que formó Seatbelts ex profeso para la banda sonora del anime. Como sea, eso dio pie a cuatro discos solo de la serie original, y luego más cosillas sueltas por aquí. Y de esa producción este es el primero y más destacado. Y tal.

domingo, 19 de noviembre de 2017

Rockrítico Weekly: Nujabes + X Japan + Kyary Pamyu Pamyu

NUJABES - MODAL SOUL (2005)




Nujabes, nombre artístico de Jun Seba, sigue siendo uno de los artistas más queridos de Japón tras su trágica muerte en 2010 en un accidente de tráfico. Ahora su obra forma parte de esos canales de YouTube que ofrecen 24 horas de beats hip hop relajados para mejorar la concentración durante el estudio, que es un propósito loable, supongo. Tonterías aparte, es cierto que su producción de ritmos hip hop, muy influida por el jazz y el soul, dista mucho de lo normal. No hay tambores en tu cara ni samples agresivos; en "Feather" tenemos un suave piano y un contrabajo dando forma a prácticamente todo el fondo del tema, hasta que aparecen unos contenidos metales. El rap tampoco nos lanza contra una pared, si no que es más conversacional y tranquilo. En "Ordinary Joe" cuenta con la inestimable ayuda del soulman Terry Callier, que resulta ligeramente desaprovechado por desgracia, quizá porque la batería invade su espacio.

miércoles, 15 de noviembre de 2017

Shiina Ringo - Kalk Samen Kuri No Hana (2003)


JORGE: 我々は途中にいる! Que significa cosas que podéis buscar en Google Translate. Y ahora permitiré a Álvaro insultarme antes de presentar esto.

ÁLVARO: Cantamañanas. Hala, prosigue.

J: Bueno, pues a mitad del Japomés, día arriba día abajo, retomamos el camino de las críticas femeninas con una señora cuyo nombre nadie se pone de acuerdo en cómo romanizar. La llamaremos Shiina Ringo, porque sí, y desentrañaremos los secretos de este su tercer álbum, Kalk Samen Kuri No Hana, que significa algo mucho más weirdo que lo que he blasfemado antes. You move.

A: Parece que estemos jugando al ajedrez. La gente tampoco se pone de acuerdo en cuanto a cómo romanizar el nombre del álbum, pero hemos decidido adoptar ese título porque sí. Porque nos apetece. En Spotify, por ejemplo, se puede encontrar como Karuki Zahmen Kuri No Hana - Kalk Samen Chestnut Flower. En plan vamos a combinar ya todo locamente y que salga lo que tenga que salir. Que por otra parte es una buena manera de definir el disco en sí.

domingo, 12 de noviembre de 2017

Rockrítico Weekly: Mitski + Yellow Magic Orchestra + Akira Yamaoka

MITSKI - PUBERTY 2 (2016)





Mitski tal vez sea un poco hacer trampa, porque pese a ser japonesa su carrera se ha desarrollado por completo en Occidente. Pero vamos a ver, ella llamó a este disco Puberty 2 y ni siquiera hay un Puberty 1, ¿así que quién es el tramposo aquí? El disco es uno de ágil indie rock, y cortito, como a mi me gusta. El primer minuto y medio de "Happy" es extraño, con ritmos mecanizados y un saxo arty, hasta que la normalidad hace mella y se convierte en una oda al amor y las galletas. No hay muchas cosas más indies que esa. La voz de Mitski no es desganada ni agresiva, es muy expresiva y delicada, como también demuestra en la punky "Dan the Dancer". Podría estar cantando solemnes temas de folk, pero entonces nos quedaríamos sin Mitski (si bien algunos de sus primeros discos se acercaban más a este paradigma).

viernes, 10 de noviembre de 2017

Fishmans - Long Season (1996)


ÁLVARO: Llegamos tarde a nuestra cita, quizá aturdidos por nuestra última aventura, que nos encuentra invadiendo el canal de unos impostores llamados “Rockríticos”. Os ponemos el enlace a su página de Facebook por si queréis tirarles ladrillos virtuales. Más allá de estos sucesos de carácter fantasmagórico, por ejemplo, traemos un disco que, si soy sincero, es la razón por la que obligué a Jorge a instaurar el Japomés como fiesta musical. Hablo de Long Season, de Fishmans. Entre las buenas noticias que acompañan a esta decisión es que es casi imposible encontrar una crítica de este álbum, así que estamos abriendo nuevo territorio, que es de lo que se trata.

JORGE: Hoy mismo he leído a alguien en Twitter hablar de la importancia de indagar en la música japonesa, que va mucho más allá de bandas sonoras de animes y videojuegos, y no podría estar más de acuerdo con esa afirmación y la idea que subyace en el párrafo anterior. Efectivamente, no es este un trabajo sobre el que sea tarea muy fácil encontrar reseñas (apenas 60 opiniones en RYM, a pesar de estar en el Top 300 histórico, y en el Top 10 del año en que se lanzó) y eso hace que esta crítica sea más agradecida… pero no por ello menos complicada. Y eso por qué será, cuéntales, Álvaro.

domingo, 5 de noviembre de 2017

Rockrítico Weekly: Cornelius + Flower Travellin' Band + MONO

CORNELIUS - FANTASMA (1997)




Cornelius, pseudónimo de Keigo Oyamada, es uno de los nombres que más se asocian a la escena Shibuya-kei, el artificioso indie japonés de sonidos brillantes y coloridos y que de hecho es una de las corrientes niponas que más ha repercutido en otros artistas (en España mismamente tenemos a La Casa Azul, chiclosos como ellos solos). Shibuya es el epicentro cultural de la juventud tokiota, y se supone que la gente más cool de allí escucha cosas como esta. Fantasma es un totum revolutum de samples, trucos de estudio y juegos infantiles que se abre con un minuto de efectos de sonido hasta que un beat hip-hopero rompe con todo. Es "Mic Check", una especie de rap en el que la única letra es el título, repetido una y otra vez, y que se mezcla con teclados de ensueño hasta que Cornelius decide parar y pasar a "The Micro Disneycal World Tour". La cortinilla de arpas que en Hollywood significa "secuencia onírica" se utiliza a lo largo del disco con gran efectividad.

miércoles, 1 de noviembre de 2017

Boredoms - Vision Creation Newsun (1999)


JORGE: Ohayō! Yōkoso! Hoy es 1 de noviembre, Día de Todos los Santos, y también Día de los Muertos, creo, en México, y eso significa dos cosas: una de ellas es que da comienzo el JAPOMES, y la otra ya se me ha olvidado. ¿Y cómo comienza este mes de celebración, y aniversario del blog, y cosas? Pues con un grupo de rock experimental muy loco como son los Boredoms, y su penúltimo álbum, el Vision Creation Newsun. Porque nos va la marcha.

ÁLVARO: Hay tantas cosas que decir, que no sé por dónde empezar. Sí, es el Japomés, que puede ir con tilde o no, depende de cada cual. La música pop japonesa es por lo general, ampliamente desconocida por el usuario medio, salvo por aquellos que, en esta noche de Halloween, irán disfrazados de Naruto o Sailor Moon. Y eso es una injusticia, porque pocos individuos hacen una creación sónica tan especial e inimitable como los nipones. Segundo, es probable que en este mes se nos una un influjo nuevo de seguidores, por motivos que no vienen al caso, y qué mejor manera de recibirlos que con discos que muchos de ellos no habrán oído nunca. Y tercero, que mucha gente me lo ha estado preguntando: en nombre de la organización de Rockrítico, os debo pedir que os descarguéis la app de Operación Triunfo y por favor votéis “SALVAR A RICKY”. No solemos tomar partido en estas materias pero hay causas que desde luego lo valen. Y dicho esto, creo que podemos pasar al bombardeo auditivo de estos Boredoms, que de aburridos tienen poco.

domingo, 29 de octubre de 2017

Rockrítico Weekly: Camera Obscura + The xx + Fleetwood Mac

CAMERA OBSCURA - UNDERACHIEVERS PLEASE TRY HARDER (2003)




Una rápida ojeada a los títulos de los temas de este disco nos da a entender que las de Camera Obscura son canciones por y para adolescentes paraditas, que ven películas francesas y visten con tartán y tal vez no existan fuera del universo de Wes Anderson. Pero esa visión simplista, como de costumbre, nos puede alejar del disfrute de algo maravilloso: a mi me encanta Camera Obscura, y no soy una adolescente paradita (creo). "Suspended from Class" para abrir boca, y el sonido twee inocentón de Belle and Sebastian es la referencia obvia (hasta el solo de trompeta a lo "Judy and the Dream of Horses" está aquí), aunque la voz de Tracyanne tiene un poco más de vida que la del gran Stuart Murdoch (en otros discos aún más, aquí le pone menos ganas). Alguno por ahí la ha comparado con Tracey Thorn, y también lo veo.

miércoles, 25 de octubre de 2017

Big Brother and the Holding Company - Cheap Thrills (1968)


ÁLVARO: Hoy traemos, más que un disco, un acontecimiento que agitó los cimientos de la música pop tal y como la conocemos. Muchos años después, seguimos recuperándonos de las consecuencias que tuvo, para bien y para mal. Efectivamente, estoy hablando de Operación Triunfo. Porque en teoría íbamos a reseñar Cheap Thrills, de Big Brother & the Holding Company, banda que incluía a Janis Joplin. Pero entre que Jorge me dice que no se lo ha preparado mucho, y que Janis, por buena que fuera, no supera a ninguno de los 16 candidatos a triunfito que ahora mismo están enclaustrados en la academia en carisma o calidad vocal, pues igual pasamos del tema, ¿no crees?

JORGE: Pero bueno, pero bueno, qué ofensivo para con Janis Joplin es eso. Qué problema tienes tú con ella, a ver. A ver.

A: No es que tenga problema con ella, me parece una cantante espectacular, con una voz rota muchas veces imitada pero nunca igualada, salvo quizá por Ruth Lorenzo. Pero su capacidad para irritar, a algunos oídos por lo menos, está over nine thousand, con chillidos que algunos críticos a los que he leído les recuerdan al graznido de un cuervo. No digo que yo me incluya entre esos de tímpano sensible, pero si a la gente le dan a elegir entre Janis Joplin y Ana Guerra, la Shania Twain de Burgos, pues el 90% se inclinará por la segunda opción. Quizá deberíamos hablar de la banda, o del contexto del disco, o algo por el estilo.

domingo, 22 de octubre de 2017

Rockrítico Weekly: Red Temple Spirits + Electric Light Orchestra + Beyoncé

RED TEMPLE SPIRITS - DANCING TO RESTORE AN ECLIPSED MOON (1988)




Piero Scaruffi, uno de los críticos musicales más controvertidos (una especie de Boyero italiano con un odio acérrimo a los Beatles), le dio a este álbum un 8, que para su sistema de medida (pocas cosas superan el 7) es algo así como un 15 sobre 10. Por si esto no fuera suficiente, la confluencia de dos géneros similares pero complementarios como el rock gótico y el post-punk en este álbum, lo convierten en una apuesta segura para pertenecer a mi olimpo personal. Veremos si es cierto. "Exorcism / Waiting for the Sun" nos dice un poco todo lo que necesitamos saber, una psicodélica introducción instrumental, con una fuerte presencia del bajo, que da paso a la quejumbrosa voz del cantante, un poquito a lo Peter Murphy, William Faircloth. Es siniestro, y es particularmente excitante cuando la batería se crece más y más hasta cubrir buena parte de nuestra atención.

miércoles, 18 de octubre de 2017

Tom Petty and the Heartbreakers - Damn the Torpedoes (1979)



JORGE: Probablemente sea algo tan injusto como inevitable, pero lo cierto es que muchos artistas no tienen el reconocimiento que merecen en este blog hasta que no ha llegado su hora. Y, si bien no es exactamente el caso de Tom Petty, a quien ya recordó Álvaro en un artículo de hace años sobre músicos magníficos olvidados en nuestro país, hacerle un hueco al recientemente fallecido Thomas era lo menos que podíamos hacer. Y qué mejor manera de hacerlo que con el mayor éxito que lanzó con los Heartbreakers, este Damn the Torpedoes que mañana mismo cumple 38 añazos.

ÁLVARO: No recordaba haber hecho ese artículo, así que supongo que sigue siendo olvidado a su manera. Lo cierto es que Petty, este rubiño como medio rebelde pero no del todo, es un producto muy americano, muy de la tierra y de las larguísimas carreteras en línea recta que atraviesan los Estados Unidos. Algo que allí estarán hartos de escuchar en la radio de rock clásico, pero que aquí, por el motivo que sea, no termina de cuajar. Y en cierto modo, me parece que si fuera americano, este álbum me llegaría más de lo que ya lo hace, que es bastante. Pero no adelantemos acontecimientos. ¿Algo que quieras añadir sobre las peculiares circunstancias en las que pudo o no salir a la luz este trabajo?

domingo, 15 de octubre de 2017

Rockrítico Weekly: Windy & Carl + Hoodoo Gurus + Roger Waters

WINDY & CARL - DRAWING OF SOUND (1996)




¿Quién? Pues no lo sé. Al parecer Windy y Carl son una pareja de marido y mujer que hace discos de ambient guitarrístico de algún tipo y de la que jamás he oído hablar hasta ahora, pero su historia me parece preciosa. Compañeros de la vida y de la música, o algo. No parece que su música me vaya a gustar, pero a saber. Los efectos de guitarra son múltiples y están bien elegidos. En "You", la voz de Windy es poco más que un susurro, apenas más inteligible que las de My Bloody Valentine, un grupo similar pero bastante más ruidoso. Los punteos son suaves y envolventes, un poco post-rock, un poco alucinógenos. Podría acostumbrarme.

miércoles, 11 de octubre de 2017

Blondie - Parallel Lines (1978)



ÁLVARO: ¡Hemos vuelto! Como cada semana, bla bla bla, hoy traemos a uno de los pioneros de la new wave, un grupo revolucionario que cambió el mundo del pop tal y como lo conocemos, imagino. Liderados por la fantástica Debbie Harry, y poseedores de una estética rompedora, Blondie tendió un puente entre escenas prácticamente opuestas y gracias a ello se convirtieron en una de las grandes bandas salidas del punk neoyorquino. Y todo, en buena parte, gracias al Parallel Lines que hoy nos ocupa.

JORGE: Desde luego, este tercer disco fue el que les dio un empujón brutal de fama, y a día de hoy, sigue conteniendo los dos temas más conocidos de Blondie (no me avergüenza reconocer que son los dos únicos que habría podido tararear antes de prepararme esta reseña). Es un trabajo con un sonido pop-rock-punk-new wave-loquesea que entra desde la primera escucha y en el que el proceso de producción fue poco menos que curioso. Creo. Quizás no. Quizás me lo haya inventado. Quizás nunca lleguéis a saberlo.

A: Pero cuéntaselo, que seguro que te lo sabes muy bien.

domingo, 8 de octubre de 2017

Rockrítico Weekly: Guy Clark + Dead Can Dance + Fleet Foxes

GUY CLARK - OLD NO. 1 (1975)




Guy Clark es el prototipo de cowboy tejano que canta; la portada nos da a entender que toda la ropa que tiene son dos camisas vaqueras, y para qué necesita más. Los rebeldes del country siempre han tenido muchas historias que contar, sobre whisky, mujeres y penas. Con "Rita Ballou" se introduce al mundo, un tema que nos anima a dar pisotones al ritmo de la música mientras el piano se encarga de dar fondo a la voz de Clark, más nasal que profunda, a caballo entre Cat Stevens y Bob Dylan. Es un tema despreocupado, nada que ver con la melancólica "L.A. Freeway", una balada de un hombre que deja su tierra, con violines y armónicas y un emocionante estribillo (cantada por nuestro adorado Ethan Hawke en Boyhood, by the way).

miércoles, 4 de octubre de 2017

Dio - Holy Diver (1983)


LOS CHISTES Y OPINIONES DE LA LETRA Z SON A MENUDO CENSURABLES, PERO CENSURARLOS SERÍA ENTRAR EN SU TERRENO. SI QUERÉIS PEGARLE FUEGO, MANDAD UN MENSAJE A ROCKRITICO@GMAIL.COM Y OS FACILITAREMOS SUS DATOS DE CONTACTO.

JORGE: Una semana más, aquí nos reunimos dispuestos a clavar los colmillos sin piedad en un clásico. O no, pero queda bien siempre anticipar sangre para atraer a las pirañas. Es todo muy oscuro y siniestro, algo que sin duda sería del agrado del añorado (por mí, al menos) mozo que estará con nosotros hoy: Ronnie James Dio, con su Holy Diver. Quiero decir, la banda Dio, liderada por RJD, con Holy Diver. Qué difícil es cuando un cantante llama a su banda con su apellido.

ÁLVARO: Podría ser peor, podría ser Alice Cooper. Pero sí, creo que tenemos hoy uno de los clásicos del metal ochentero, un disco sabrosón con tonadillas alegres sobre el bien y el mal y todo lo que está entre medias. Tras haberse marchado de dos bandas como Rainbow y Black Sabbath por tensiones con los poco diplomáticos guitarristas (Ritchie Blackmore y Tony Iommi, respectivamente, aunque Geezer Butler también tuvo que ver en el segundo caso), RJD decidió que ya que se ponía podía convertirse en uno de esos líderes tiranos que él tanto odiaba (espoleado por su esposa Wendy, según dicen) con su propia banda, los Dio de Vivian Campbell, Jimmy Bain y Vinny Appice.

domingo, 1 de octubre de 2017

Rockrítico Weekly: Ghost³

GHOST - OPUS EPONYMOUS (2010)



Era el año 2011, Ghost todavía no eran conocidos como Ghost B.C., y Tobias Forge no había sido demandado en su papel de Papa Emeritus III por infringir cosas de copyright y eso. Y como el pop metal parecía una buena idea, pues los chavales suecos se vistieron a caballo entre Slipknot, una banda de death metal y coreógrafos en el desfile del Día de los Muertos mexicano para tocar... A saber. Opus Eponymous resume muy bien lo que la banda supone: letras muy macabras, de esas que escandalizarían a tus familiares del Opus Dei, arropadas por una música que no va acorde con ella en absoluto. Hay todo lo que cabe esperar en una banda cuyo cantante finge ser un Antipapa: órganos de iglesia ("Deus Culpa"), invocaciones en latín ("Con Clavi Con Dio"), invocaciones a Satán ("Ritual", "Satan Prayer") y... bueno, un poco de todo eso.

miércoles, 27 de septiembre de 2017

Joanna Newsom - Ys (2006)



ÁLVARO: Hola hola, amiguitos y amiguitas. Hoy nos adentramos en el extraordinario mundo de Joanna Newsom, la mujer que convirtió el arpa en el instrumento más hip de los siete mares en este su segundo disco, Ys. Estoy seguro de que es una elección que ha hecho a Jorge muy feliz. Entre otras cosas porque la hizo él.

JORGE: No me costó mucho decidirme. Mientras barajábamos opciones, Álvaro propuso a Joanna Newsom, yo dije “¿y esa quién es?” y él contestó algo así como que era una señora que tocaba música medieval con un arpa. Me lancé de cabeza sin temor a equivocarme y… bueno, la verdad es que no me esperaba la abismal calidad (y calidez) de este trabajo. Pero por favor, camarada, pónganos en contexto sobre esta artista.

domingo, 24 de septiembre de 2017

Rockrítico Weekly: Paramore + 10cc + The Lounge Lizards

PARAMORE - PARAMORE (2013)




Paramore es una de las escasas bandas que ha tenido una trayectoria ascendente: desde sus años de emos adolescentes (siendo probablemente los mejores en dedicarse a ese género) a su reconversión en banda adulta con tintes new wave que son ahora. Su disco epónimo (el cuarto), es una especie de pivote entre ambas etapas, con un sonido pop rock más genérico. Así suena "Fast in My Car": pegadiza, divertida, satisfactoria. Tres adjetivos que se podrían aplicar al conjunto del álbum, por lo general.

miércoles, 20 de septiembre de 2017

Steely Dan - Aja (1977)


JORGE: Bueno, bueno. Quién lo hubiera dicho. Verme a mí criticando un disco como este. Por avatares del destino, se planteó en una lista de discos a reseñar, dado su próximo 40 cumpleaños (que será este 23 de septiembre), pero la vida no quiso que Walter Becker viera dicho momento y muriera hace un par de semanas. Así que, como homenaje, o lo que sea, o algo, aquí venimos a traer una de las más emblemáticas obras que hayan nacido de la fusión entre el jazz y el rock: Aja, de Steely Dan. ¿Me equivoco en algo? ¿Quieres pelea? Mira que nos pegamos ya si hace falta. Chaval.

ÁLVARO: No lo descartes, pero me esperaré a ver qué nota le pones antes de decidirme. Sí, efectivamente, teníamos la intención de reseñar esto antes del fallecimiento de Walter Becker, así que nadie puede acusarnos de aprovecharnos de la situación. Bueno, en realidad puede hacerlo cualquiera, pero tampoco vamos a hacerle caso. Total, que Aja es un discazo monumental de esta extraña superbanda, un hito en la producción, y quizá el mejor álbum de una banda con muchos álbumes muy buenos. Y sin embargo, ¿quién les conoce?

domingo, 17 de septiembre de 2017

Rockrítico Weekly: Jane Siberry + The Lucy Show + Thrice

JANE SIBERRY - THE WALKING (1987)




Jane Siberry es difícil de describir, aunque si comenzamos con el patrón de Kate Bush (que es algo relativamente habitual), y añadimos un mayor desdén hacia las estructuras convencionales del pop, sin que esto signifique un abandono total de las melodías con gancho, nos aproximamos bastante. El álbum es hijo de su década por completo, y hay fragmentos (cortos, eso sí), que podrían pertenecer a cualquier single de éxito de la época. Como el espacio musical es gratis, la canción de apertura dura más de 9 minutos, pero no se nota porque hay suficientes ideas en ella como para un disco entero. "The White Tent The Raft" es extrañísima y mágica, con sonidos sofisticados como el siempre agradecido bajo sin trastes. Es musicalmente abierta, en el sentido de que parece que puede ir a cualquier sitio en cualquier momento, con acordes que rara vez dan un sentimiento de finalidad. Es para escucharla.

miércoles, 13 de septiembre de 2017

Portishead - Dummy (1994)



ÁLVARO: Buenos días, queridos televidentes. Como cada semana, me encuentro aquí con un buen caballero español de pura cepa, patriota y defensor del ciudadano de a pie. Fan del socialismo que defiende a los españoles. Creo. Y estamos aquí porque nos ha reunido un disco británico, que pese a que nos derrotaron en Trafalgar hacen buena música cada lustro, o así. Muy anglocéntricas estas reseñas en cualquier caso, ¿no?

JORGE: Tal vez un tanto, pero desde luego con una variación en géneros musicales que ya querrían muchos. Es más, si hace una semana alguien me hubiera mentado “el sonido de Bristol” podría haber puesto cara de entender algo aunque fuera una vil mentira, pero si me dijeran “trip hop” habría estado más perdido que [inserte frase malsonante aquí]. Cada definición del género que he leído, eso sí, me parece que refleja a la perfección el sonido de este Dummy, debut de los como dices británicos Portishead.


domingo, 10 de septiembre de 2017

Rockrítico, el Podcast Redux 15

Hoy habría Rockrítico Weekly, igual que debería haberlo habido la semana pasada, pero como estamos ahora mismo enfrascados en ciertos otros asuntos, hemos decidido sacar un podcast. Ya la semana que viene volverá eso.

Hoy hablamos de calabozos en Extremadura, nuevos logos, señalización en pistas de aterrizaje, sopa Campbell, estafar al seguro, el talento desaprovechado de algunos dibujantes, llamadas inesperadas, ectoplasmas, los premios Óscar (Mayer), llantas nuevas, RNE y Batman.

1. Scooch - Flying the Flag
2. Chavela Vargas - El Preso Número 9
3. Randy Newman - Short People
4. Sam Brown - Stop
5. Mr. T - Treat Your Mother Right
6. Cliff Richard - We Don't Talk Anymore
7. BONUS TRACK ESPECIAL

miércoles, 6 de septiembre de 2017

Alice in Chains - Dirt (1992)


JORGE: Una semana más hemos salido de nuestro agujero para no perder el alma. Una semana llena de cosas que hacer, creo, o tal vez no, pero que en cualquier caso viene intensa, visceral, noventera y, para qué engañarnos, oscura y deprimente. Y es que no podría ser de otra manera cuando os traemos el disco más archiconocido de una de las bandas más emblemáticas de los 90, que Álvaro y yo estábamos convencidos de haberos reseñado ya tiempo ha: esto es Dirt, de Alice in Chains, y nosotros somos los Rockrítico, o algo.

ÁLVARO: Sí, estoy de acuerdo. Con todo. Este Dirt es una de las grandes obras del grunge, aunque Alice in Chains es quizá la banda de los Big 4 (Soundgarden, Pearl Jam, Nirvana y ellos) que menos concuerda con ese género. Con un pasado en el glam y el metal, se les metió un poco en el saco para aprovechar el impulso que habían dado al grunge Ten y Nevermind. Al año siguiente de esos dos clásicos salió Dirt, que sin duda no tiene nada que envidiarles. Son cincuenta minutos pesados y dolorosos, pero que merecen la pena. La voz de Layne Staley, el increíble trabajo de guitarras de Jerry Cantrell, y esas letras que sí, son la agonía pura. Agonía causada por el jaco.

domingo, 3 de septiembre de 2017

Anochecer en Waterloo: ¿Quién mató al rock?, Anexo 1: Brand New

Hasta Brand New saben que lo hiciste tú.

Ha tardado unos meses, pero he conseguido recibir la primera respuesta crítica a mi maravilloso artículo en el que acusaba al mundo en general de asesinar al rock como género. O al rock en sí de suicidarse. Eso es lo de menos, es un gran artículo, os lo digo yo. Pero resulta que un querido amigo, llamémosle Joe Davola, al que tengo mucho aprecio ha decidido usar la reciente subida al número 1 de las listas americanas de Science Fiction, lo nuevo y quizá lo último de la banda de emo Brand New, como irrefutable prueba de que lo escrito es mentira o de que, como mínimo, el rock sigue vivo y entre todos nosotros.

miércoles, 30 de agosto de 2017

Madonna - Like a Prayer (1989)



ÁLVARO: Puede que la vida sea un misterio, pero no estoy aquí solo. Me acompaña como cada semana mi querido Jorge. Hoy tenemos a una de las grandes, la reina del pop, una transgresora, innovadora, icono feminista y postmodernista, empresaria, compositora, madre atenta y cariñosa, amiga de sus amigas, y cantante: Madonna. Y viene acompañada del álbum que la transformó de estrella en referente cultural, allá por los finales de la década de los ochenta, Like a Prayer.

JORGE: Y viene acompañada, también, de un Magnum clásico muy rico que me estoy comiendo. No sé muy bien qué añadir a una introducción a esta reseña casi tan perfecta como la que hace Madonna del que, aunque no sea el mejor (dicen algunos) disco de su carrera, bien podría ser el más importante, el que hizo que arrasara entre los críticos y le valió la aprobación unánime del panorama musical. Creo.

domingo, 27 de agosto de 2017

Rockrítico Weekly: Styx + Shelby Lynne + John Grant

STYX - CORNERSTONE (1979)




Llega la hora de la harina pastelera, que dijo Homer Simpson, con Styx, uno más de la plétora de bandas de "rock orientado al álbum" que popularizaron junto con gente como Kansas, Journey, Boston, REO Speedwagon, o Pocoyó. Bueno, quizá no este último, pero Pocoyó probablemente tiene una actitud mucho más agresiva y rockanrolera que la que Styx demuestra aquí. Es este uno de sus discos más célebres, y el que les dio su primer y único número 1 en Estados Unidos (también número 1 como causa de diabetes en las personas de mediana edad norteamericanas), la balada "Babe", que con unos acordes de Rhodes tan brillantes amenaza con cegar el resto del álbum.

miércoles, 23 de agosto de 2017

Fiona Apple - Tidal (1996)


ÁLVARO: ¿Qué pasa, rutilófilos? Hemos sido chicos muy, muy malos esta semana, así que hemos decidido que qué mejor manera de celebrarlo que reseñar el disco de una señora que nos pidió nuestro compañero Adri el otro día. Pensaba que tal vez se uniría a nosotros para comentarlo, pero es pronto y debe estar ya muy, muy borracho. Sin más dilación, aquí está Tidal, de Fiona Apple. ¿Algo que te gustaría añadir, George?

JORGE: No mucho. Creo que Adri lo que quería es que le introdujéramos en la música de esta chica, de la que me dijo que no conocía mucho más allá de “Criminal”. Y qué mejor forma de hacerlo que con el trabajo que nos pidió, el disco debut de Fiona, lanzado allá por 1996 y compuesto, según tengo entendido, cuando contaba con tan solo 17 años. Desde luego, es una carta de presentación impactante, con un sonido muy cercano a otras artistas que hemos ido trayendo al blog recientemente (es inevitable mentar a Tori Amos, a PJ Harvey y hasta a Nina Simone), pero con un sello propio e inconfundible.

domingo, 20 de agosto de 2017

Rockrítico Weekly: Alexander O'Neal + Ichiko Aoba + Lindsey Buckingham

ALEXANDER O'NEAL - HEARSAY (1987)




Cuando empezó Rockrítico, probablemente era inimaginable que algún día me sentara a realizar una crítica de este disco, entre otras cosas porque no tenía ni pajolera idea de quién diablos es Alexander O'Neal, pero también porque el R&B contemporáneo con toques sintéticos era un poco lo contrario al tipo de música que este blog pretendía propagar. Pero me alegra mucho haber cambiado, aunque ese nombre que le pusimos nos perseguirá hasta el fin de los días, parecido al señor que puso a Neymar en la portada del álbum de cromos de este año.

miércoles, 16 de agosto de 2017

Pink Floyd - The Piper at the Gates of Dawn (1967)



JORGE: Hubo una época en la que existió Pink Floyd, pero el rock progresivo aún no se había inventado. Lo que sucedió a continuación te sorprenderá.

ÁLVARO: No, no nos hemos vuelto clickbait. O sí, quién sabe. El caso es que había una vez una pandilla de ingleses con mucho tiempo libre que decidió dedicarse a expandir los horizontes musicales por todos los medios posibles. Estos muchachos, conocidos como Pink Floyd, estaban liderados por Syd Barrett, un niño en cuerpo de adulto con una extraña fascinación por los cuentos infantiles, las hadas, y los alucinógenos fuertes. Y esos muchachos son, a la sazón, los protagonistas de nuestra historia.

domingo, 13 de agosto de 2017

Rockrítico Weekly: Nina Simone + The Hush Sound + The Church

NINA SIMONE - PASTEL BLUES (1965)




Nina Simone es, obviamente, una de las grandes, la dama del piano bar en la que cantaba mordaces críticas al racismo imperante en frente de un público blanco que lo tragaba entre risas nerviosas. Así que su voz, tan personal, tan única, estaba abocada a dividir a quien lo escuchaba, ya bien por sus provocativas letras o por su peculiar timbre, que desde luego es un gusto adquirido, aunque increíblemente influyente (hola, Jeff Buckley; hola, Anohni).

miércoles, 9 de agosto de 2017

Oasis - Be Here Now (1997)



ÁLVARO: ¡He vuelto! Que no me había ido, pero sí. El caso es que no sé qué estoy diciendo y no llevo ni veinte palabras, quizá porque el disco que hemos escogido para esta ocasión ha destruido mis neuronas hasta el punto de incapacitar mi expresividad, de dejarme sin nada que decir, aunque no lo parezca. Es el tercer disco de unos chavales bastante odiosos de Manchester, llamados Oasis. El disco se llama “Be Here Now”. No es muy bueno. Di algo, Jorge.

JORGE: Mi principal aportación en este momento es proponer que demos por finalizada la crítica aquí, ya. Yo no quiero hacerla. Tú no quieres hacerla. Nuestros (inserte número n aquí, donde n es un entero natural entre el 0 y el… 2) lectores no quieren hacerla. Oasis no quiere que la hagamos. El bello barrio suburbial de Burnage, donde nacieron estos mozos, a aproximadamente una hora a pie al sur de donde vivo no quiere que lo recordemos. Por qué.

domingo, 6 de agosto de 2017

Rockrítico Weekly: Cocteau Twins + Ween + Jamie xx

COCTEAU TWINS - BLUE BELL KNOLL (1988)




¡Cocteau Twins! Los adjetivos del día son: etéreo, onírico, gélido y fantasmal. Aplicar como calificativos donde sea necesario. La banda del sello 4AD por excelencia, con Elizabeth Fraser a la voz y Robin Guthrie y Simon Raymonde un poco a todo lo demás, lanzó este Blue Bell Knoll en 1988, flanqueado junto con Victorialand por tal vez lo que fueron sus mejores discos, Treasure y Heaven or Las Vegas. Después de tanto namedropping, podemos hablar un poco de la música, y tal.

miércoles, 2 de agosto de 2017

PJ Harvey - To Bring You My Love (1995)


JORGE: Madre mía, Polly Jean. Quién te ha visto y quién te ve. No sé muy bien a qué ha venido esa frase, pero es que tampoco sabía cómo presentar a la increíble artista que nos acompaña hoy, con el que sería, según tengo entendido, su debut en solitario: esa genial cantautora que es PJ Harvey, y que a pesar de sonar como si viniera de… No sé, Arkansas, pues resulta ser de Yeovil, una pequeña ciudad al sur de Somerset, en la Pérfida Albión. Y tal. Todo tuyo, camarada.

ÁLVARO: Efectivamente, amigo mío. Una de las cosas que más llama la atención del disco que nos ocupa, To Bring You My Love, es que no podría sonar más yanqui. El sonido del álbum, tan anclado en el blues, nos traslada como cien años en el pasado, a los desiertos y los pantanos norteamericanos, con historias románticas casi siempre de infausto final. Pero bueno, no nos metamos en harina tan rápido, supongo. ¿Algo más que quieras comentar sobre PJ?

domingo, 30 de julio de 2017

Rockrítico Weekly: Electric Light Orchestra + The Killers + Love Without Buildings

ELECTRIC LIGHT ORCHESTRA - ELDORADO (1974)




Eldorado tal vez no sea el disco más destacable de los de Jeff Lynne, esos discípulos de los Beatles que añadieron cuerdas y cuerdas y más cuerdas hasta que el apelativo de orquesta acabó siendo totalmente apropiado. Pero sí que es, probablemente, el primero que demostró el potencial del grupo, pese a ser un fracaso comercial. Como es habitual en la banda, nos recibe una obertura clasicoide de sonido romanticón, para ponernos en situación. Lo que nos espera va a ser un viaje a un mundo de fantasía (Oz, imagino) en el que la música clásica es cool de nuevo porque la canta un tipo con una melena rizadísima y gafas de sol de aviador.

miércoles, 26 de julio de 2017

The Cure - Disintegration (1989)


ÁLVARO: Estoy disfrutando de ese infierno personal llamado “vacaciones”, por lo que mi alma se encuentra en estos momentos en un lugar muy oscuro. Oscuro como el Mar Mediterráneo, por la noche, donde no puedes siquiera ver tu propio reflejo. Y es por eso, o no, que el disco que vamos a reseñar está semana es tan inhóspito y siniestro. Hablo de Disintegration, de Robert Smith y sus Cure.

JORGE: Tal vez dicho infierno personal se asemeje al que Smith vivía en los momentos en que pergeñó este disco, aparentemente con una depresión a cuestas y la crisis de los 30 acechándole. Aunque tampoco parece que al grupo le fuera excesivamente viento en popa, a pesar del éxito comercial de su anterior trabajo, Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me: los problemas con el alcohol, y un poco en general, tengo leído, el pasotismo del baterista/teclista Lol Tolhurst, supusieron un terremoto, que, unido a lo que pasaba por la cabeza del cantante, pudo influir en esa opresiva oscuridad que mueve el disco. Y que, diré de antemano, poniéndome a cubierto de inmediato: se me hace un tanto tediosa, para qué engañarnos.

lunes, 24 de julio de 2017

Batalla de los Discos: David Bowie vs. Leonard Cohen vs. Nick Cave and the Bad Seeds


Aunque haya tardado meses en llegar, y haya esperado pacientemente en el tintero el proyecto desde octubre del año pasado, por fin está aquí: recuperando nuestro mítico formato de la Batalla de las Bandas (con Adri de invitado en esta ocasión) enfrentamos hoy a tres titanes de la música, dos de ellos fallecidos el pasado 2016, que compiten con el último de sus discos publicados. Con todos ustedes, en Rockrítico: Blackstar de David Bowie vs. You Want It Darker de Leonard Cohen vs. Skeleton Tree de Nick Cave.


miércoles, 19 de julio de 2017

Tori Amos - Little Earthquakes (1992)



JORGE: Bueno, bueno, bueno. Bueno. Una semana más, aquí estamos para traeros… pues un clásico más. Estamos ante uno de los más magníficos discos debut de los ‘90, perpetrado por esa reconocible pelirroja, increíble pianista, intimista compositora, amiga de Neil Gaiman, señora del invierno y… no sé qué más decir. Me estoy limitando a recordar las palabras que Álvaro quería prohibir en esta crítica.

ÁLVARO: Igual no hace falta mencionarlas. Aunque creo que sustituir “piano” por “dentadura musical” hubiera mejorado mucho la calidad de la presente crítica. El resto podemos intentar olvidarlas, creo. Y ahora que hemos alienado a todos nuestros lectores, podemos pasar a introducir a esta pelirroja que mencionas, que no es otra que la ínclita Tori Amos. Suelo ser yo el que hace el contexto histórico, pero estoy por obligarte a hacerlo a ti, a ver por dónde sales. ¡Hale, suerte!

domingo, 16 de julio de 2017

Rockrítico Weekly: Redskins + Betty Davis + alt-J

REDSKINS - NEITHER WASHINGTON NOR MOSCOW... (1986)



Ni siquiera la inesperada defunción de mi computadora ha sido capaz de detener mis ansias de escribir. Bueno, si que lo ha hecho, pero no quería frenar "Rockrítico Weekly" en su segunda semana de existencia. El primero de los álbumes que nos ocupa pertenece a una banda con un nombre a priori racista que no es más que una provocativa chanza que denota las creencias marxistas de estos jovenzuelos. La música que nos ofrecen los Redskins es una especie de soul punkarra bastante sui géneris, de ritmos acelerados, órganos, metales y una actitud revolucionaria. "Kick Over the Statues", nos exhortan, y parecen bastante convincentes.

jueves, 13 de julio de 2017

David Bowie - The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)


ÁLVARO: ¡Hemos vuelto! Como la gripe, o peor. Hoy vamos a meternos en harina con un álbum que adoramos fuerte. De hecho, para arruinar la sorpresa final, voy a decir ya mismo que le doy al disco que nos ocupa, The Rise and Fall of Ziggy Stardust, un 30. ¡La puntuación perfecta! ¡Lo nunca visto!

JORGE: Empezamos fuerte. Yo tengo que reconocer que le tengo miedo a esta crítica. Me pasó un poco como la primera vez que reseñé, salvando muchísimo las distancias, a Nacho Vegas: estuve demorándolo meses porque no sabía cómo enfocar el hablar de un artista a quien admiro tanto y, en este caso, que tan influyente ha sido. Con todo, fui yo quien propuso este disco, dado que era un poco vergonzosa la ausencia de Bowie en el blog (a que hicimos justicia en el Hall of Fame), y… bueno, no se me ocurría mejor forma de traerle que con el que es probablemente su trabajo más laureado y reconocible. Si no me equivoco, el primero donde Bowie creó un alter-ego, ¿cierto, Álvaro?

A: Así es: Ziggy Stardust, esa especie de mensajero de los extraterrestres que predica un mensaje de amor y paz a través del rock and roll, fue su primera transformación en un personaje, y por lo tanto también nuestra primera impresión del “camaleón” en el que se convertiría. Este Ziggy es el protagonista también de este disco, que es en cierto modo uno conceptual aunque menos de lo que parece: la cara B tiene algo más de unidad, pero en general sigue pudiendo verse como una colección de canciones sin más. Ziggy acabó causando ciertos problemas mentales al pobre David, ya que el personaje acabó superando a la persona y Bowie no tuvo más remedio que poner fin al experimento en medio de un concierto en 1973.

domingo, 9 de julio de 2017

Rockrítico Weekly: Blind Melon + Glen Campbell + Crystal Castles

BLIND MELON - BLIND MELON (1992)



Blind Melon lo petó fuerte, y de manera un tanto extraña (más aún considerando la temprana muerte de su líder Shannon Hoon en 1995), han pasado prácticamente al olvido más absoluto salvo por unos cuantos noventeros trasnochados. Su estilo, pese a menudo asociarse al grunge que tan en boga estaba por aquellos años, debe bastante más al rock buenrollista y hippy de los Grateful Dead. Si acaso, la banda grunge con la que más parecido guardan sería Pearl Jam. Quizá sea ese sonido jam el responsable de su desaparición del imaginario colectivo, que le pregunten a Spin Doctors o Phish si no. Otra banda referente podrían ser Guns 'n' Roses, dado que Hoon participó en la grabación de los Use Your Illusion

miércoles, 28 de junio de 2017

King Crimson - In the Court of the Crimson King (1969)


JORGE: Una semana más, los designios de Belcebú, el rey carmesí, han llevado a nuestros caminos a juntarse en esta corte musical, a discutir sobre un verdadero clásico. Un disco que sentó las bases de un género que ha tratado Álvaro profusamente en el blog, y que él podrá presentar mucho mejor que yo. ¿Por qué he comenzado a hablar, pues, antes que él? Ese es un misterio del que jamás conoceréis la respuesta. O sí. El timón es tuyo, tovarich.

ALVARO: Mucho rock progresivo estamos trayendo. Demasiado, probablemente. Por mucho que represente los excesos del género y una dependencia en la técnica en la que cada vez estoy menos de acuerdo, el rock progresivo es un estilo que conozco bien desde hace años. Podría hablar de aquella vez en el instituto cuando presenté un trabajo sobre el tema, pero no le interesa a nadie así que no lo haré. El caso es que es este presente álbum, “In the Court of the Crimson King”, el que inaugura el género, allá por 1969. La banda por aquel entonces llevaba apenas unos meses junta, aunque todos se conocían desde hace un tiempo: el guitarrista Robert Fripp y el batería Michael Giles estuvieron en un trío psicodélico-experimental con el hermano de este último, y el teclista y multinstrumentalista Ian McDonald también había compartido conjunto con Peter Sinfield, el... consultor artístico (letrista, sin ir más lejos, aunque tomaba casi cualquier decisión de índole creativa. El choque de egos con Fripp tuvo que ser digno de ver). Como ocurriría siempre con los Crimson, estos integrantes (a los que hay que añadir, por supuesto, a Greg Lake, el bajista y vocalista que luego formaría parte de Emerson, Lake & Palmer) no se mantendrían mucho tiempo juntos. Igual que dijimos que Joy Division no era Ian Curtis y ya está, no es fácil afirmar lo mismo con Robert Fripp y King Crimson, ya que lo uno no existe sin lo otro.

miércoles, 21 de junio de 2017

Kate Bush - Hounds of Love (1985)

ÁLVARO: Buenas tardes, queridos televidentes. Otra semana más, estoy aquí con mi querido Jorge para hablar de un disco que guardamos muy dentro de nuestros corasones latinos. Nos dimos cuenta entre otras cosas de que la presencia femenina en nuestro blog dejaba un poco que desear, así que elegimos ponernos las pilas y reseñar una maravilla del pop artístico, el insuperable “Hounds of Love”, de Kate Bush. Que no tiene nada que ver con George Bush. Creo.

JORGE: Creo yo también, y espero fervientemente. En todo caso, y si bien he participado de esa realización de lo patriarcal de este blog, el mérito de traer esta reseña es en un 97% de Álvaro: él trajo ya a esta artistaza a un viejo podcast de una época en que hasta dejábamos vernos las caras en vídeo, él nos descubrió que era la misma señora detrás del “Wuthering Heights” ante nuestro estupor, y es él quien tiene la portada de este magnífico disco como foto de perfil en sitios. Así que, cuando me propuso trabajar esta joya ochentera, pues no lo dudé: me puse las pilas, escuché más allá de las tres o cuatro pistas que ya conocía y… he de decir que el disco me ha sorprendido muchísimo. Por indagar, ¿qué supuso esto en la carrera de Kate Bush?

miércoles, 14 de junio de 2017

Genesis - Trespass (1970)


JORGE: Bueno, bueno, bueno. Pues parece que aquí estamos otra vez, una semana más y un día más tarde de lo previsto porque… no me apetece buscar excusas. Por cosas. Y vamos a reseñar un disco bonito, ¿a que sí?

ÁLVARO: Así es, amigo mio. Aunque lo primero que pensé al ver que íbamos a reseñar este disco fue... ¿por qué “Trespass”? Así a priori se me ocurren como cinco discos de Genesis que abordaría antes que este. Los cinco posteriores, de hecho. Pero es cierto que “Trespass” es en cierto modo el primer disco de la banda, ya que el verdadero debut fue más bien un extraño batiburrillo de pop sinfónico que poco se parece al resto de trabajos de la banda. Bueno, ya me estoy enrollando...
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