Pink Floyd - Wish You Were Here (1975)

Cuando en un blog ya se han publicado casi 200 entradas, es fácil que alguno de tus discos favoritos ya tenga una crítica. Sin embargo, para mi sorpresa, no la había de Wish You Were Here, así que he decidido debutar con esta obra.

La verdad es que le tengo mucho cariño a este disco por una razón: es idóneo para concentrarse. No sé si es porque está concebido como una unidad perfecta, pero el hecho es que posee una extraña magia que provoca que lo escuche casi en bucle en la semana de exámenes.

Lo mejor de 2014, según Quixote

¿Qué bonito ha sido 2014, no? Bueno, aparte de lo de Ucrania, del Ébola, de Robin Williams y de la eliminación del Mundial (todo ello igual de importante, por supuesto). Musicalmente, sin embargo, mucha gente opina que ha sido un año bastante olvidable, y por desgracia estoy bastante de acuerdo. Pero eso no me impide, igual que otros años, compilar esta lista de quince canciones que han sobresalido de entre los hierbajos y que representan lo que, en mi opinión, es lo más destacado de este año que se está acabando ya. Esperemos que no haya sorpresas de última hora, aunque lo que sí que va a haber son omisiones imperdonables, como pasa todos los años... Y hablando de eso:

El Niño de la Hipoteca – Que te vaya bien (2009)

Hace tan solo unos días, este pasado sábado, Madrid tuvo la ocasión de presenciar (si la memoria no me falla, por segunda vez este año) algo muy especial: El Niño de la Hipoteca tocaba con su grupo (Los Ratones) en la Sala Caracol, agotando de manera total y trambólica las entradas varios días antes. Como detalle para los fans, el Niño (Wis para los amigos, en adelante), volvió a tocar el domingo, esta vez en un acústico en solitario, para dar una oportunidad a los que se quedaron fuera.

La mala suerte hizo que desde Rockrítico no pudiéramos asistir a ninguno de los dos conciertos, que por lo que sé fueron magníficos (lo último que oí del primero es que al Niño y los Ratones les acompañaron en el escenario gentes tan dispares como Loulogio o Rozalén), Wis nos trató maravillosamente, con cercanía y lo majo que le caracteriza. Así que, ya que no podemos hacer crónica (esperemos que a la próxima), qué menos que reseñar uno de sus magníficos álbumes.

El turno le ha tocado al primero por… casi al azar. No he querido coger el Gratis Hits (que como su nombre indica, es gratis, y podéis encontrar en su web) que hizo con los Ratones porque en general son versiones (no diremos mejores ni peores, porque no son una ni otra: son distintas) de temas que ya había sacado anteriormente. Así que nada, el primero, lanzado en 2009: Que te vaya bien.

Slipknot - 5: The Gray Chapter

Los últimos años de Slipknot han sido jodidos. Bien jodidos. En mayo de 2010 Paul Gray, bajista y miembro fundador de Slipknot, aparece muerto en su habitación de hotel por una sobredosis de morfina. El futuro es bastante incierto, sobre todo a nivel compositivo, dado que Paul Gray era bastante activo en las labores de composición.

El grupo decide sacar un recopilatorio en 2012, Antennas to Hell, pero aún se encuentran en un trance. La pérdida de Paul Gray ha supuesto un golpe realmente duro. Tanto es así, que cuando Slipknot levantan un poco de cabeza y hacen un par de conciertos (destaca el Monsters of Rock de 2013, en el que son cabezas de cartel), tienen al bajista escondido, sin iluminarle ningún foco. Ese bajista no es otro que Donnie Steele, uno de los primeros guitarristas de la banda, antes de que Mick Thompson le sustituyera.

Para colmo, en diciembre de 2013, la banda expulsa a Joey Jordison. El futuro es incierto. ¿Cómo iba a sonar Slipknot sin Paul Gray ni Jordison?

Johnny Cash – Out Among the Stars (2014)

Habitualmente, miro con mucha reticencia cualquier disco lanzado de manera póstuma tras la muerte de un artista (y cuanto más tiempo ha pasado desde su muerte, peor). Cuando se trata de un trabajo truncado por el fallecimiento, que se completa y se lanza (como pudiera ocurrir con el Sketches for My Sweetheart the Drunk de Jeff Buckley, o el This Is It de Michael Jackson), no tengo problema; cuando es un disco hecho a partir de material que el artista no quiso completar en su momento porque no lo vio con suficiente calidad (como pueda pasar con lo último que está saliendo del propio Rey del Pop), me hace mucha menos gracia.

Ahora, con este trabajo del Hombre de Negro, lanzado hace pocos meses, más de diez años después de su muerte, ese problema se ha visto... digamos “reducido”. Descubrí el disco cuando una amiga (Helena, se te dedica esta crítica, por maja) me enseñó uno de los temas, lo escuché sin saber a qué disco pertenecía, indagué, y...

Out Among The Stars es un trabajo grabado a partir de sesiones que Cash hizo con Billy Sherrill entre 1981 y 1984, y que no descartaron ellos, sino la propia discográfica, Columbia. El disco, así ya tiene un enorme aliciente: las canciones mantienen una unidad y una coherencia, propiciada porque se parieron en la misma época; y el material es uno con el que el propio artista estaba a gusto (versiones de algunas de ellas saldrían después en los American Recordings, o las tocaría Cash en concierto). Puntos para él.

Taylor Swift - 1989 (2014)

Bueno, bueno.

Empezaré diciendo que me encantan Arcade Fire y The Smiths, continuamente debato conmigo mismo sobre si The Fall es mejor que Can, o si es al revés; y he usado samples de Amon Düül II y de Mayhem en algún mash-up que nunca verá la luz. Soy un connoisseur. 

Esto lo aviso para aligerar el golpe. Porque 1989 es posiblemente el disco de pop del año.

Vamos por partes.

Blue Age, @Albatros Tex-Mex, 30/11/2014

El ruido de charlas y risas llena la pequeña sala. El bar Albatros Tex-Mex (en Vicálvaro, muy aficionado a organizar cosas como esta, como podéis ver en su página) está hasta los topes, y no es para menos: las cervezas alzadas chocan por encima de la prueba de sonido en la que un par de guitarras se afinan, ante el trajín de los participantes. Todos esperamos ansiosos que Blue Age, que por problemillas del directo se han retrasado unos minutos, empiecen su concierto.

Finalmente, rozando ya las dos de la tarde, aquello que nos ha reunido hace que el silencio se apodere de los asistentes: son la voz y la guitarra de Fernando que, acompañado a los coros por Miguel y a la segunda guitarra por Pablo, nos desgrana una versión increíble del clásico folk “Cindy Cindy”, aquel que tanto popularizara la cinta Rio Bravo.

Mike Oldfield - Five Miles Out (1982)

Continuando con la crítica amena y lectiva de la discografía de Mike Oldfield, hoy nos detenemos en un disco de esos que hay que masticar y paladear de forma cuanto menos cuidadosa. Five Miles Out, su séptimo álbum, salió dos años después del sobresaliente (aunque con poco éxito de ventas) QE2, y es un trabajo, cuanto menos, muy currado y por momentos algo difícil de asimilar, pero que otorga unas sensaciones maravillosas durante la escucha, aunque apenas contenga de forma exacta cinco temas ("Taurus II", no obstante, dura 24 minutos). Un auténtico tesoro de los 80, si se me permite.

Ya sólo con ver la portada (lo que daría yo por pillarme ese vinilo) puedes notar que la cosa va a ser de altos vuelos (je), pues Mike se inspiró especialmente para el tema que da nombre al disco en un incidente que tuvo con su avioneta y que a punto estuvo de costarle la vida a él y a algunos colegas que creyeron que volar en medio de una tormenta sería una gran idea. Ya no nos reímos tanto, ¿eh?

Anochecer en Waterloo: El secreto del éxito

¡Bieeeeen! ¡Tenemos más de 100000 visitas en Rockrítico! Es una cosa que, por supuesto, hay que celebrar. Y como molo tanto, os voy a desvelar los trucos definitivos que os harán triunfar en vuestra carrera musical. Los masones que crearon a Mozart, Frank Sinatra, Michael Jackson y Hannah Montana han estado explotando este secreto durante generaciones para forrarse, pero yo, tras años de investigación intensiva, he dado con ello. Y pienso darlo a conocer.

Este ser eres tú.

Te has dejado un dineral en tu nueva Gibson Flying V, pero seguro que merecerá la pena pronto porque te vas a hacer de oro con tus músicas y tus cosas, gracias a mí.

Tata Golosa – Fotonovela y otras historias (2009)

Lo primero que quiero destacar es que yo pensaba que esta pobre señora era actiz porno antes de ser cantante, pero resulta que no, que solo lo parece cuando quiere, con lo cual este disco es mucho más Leticia Sabater de lo que cabría esperar en un principio.

Lo segundo es que el disco tiene 16 canciones y dura hora y diez, y tras un solo tema y cuatro minutos ya tengo más ganas de afeitarme a machetazos que de seguir escuchando esto.

Porque es que Fotonovela y otras historias no se corta, y sigue la fórmula del “si algo mola, o funciona, repítelo un millón de veces hasta que la gente quiera prender fuego a la saga Terminator”. Y así hace el tema homónimo (más o menos) al disco, “Fotonovela (Video Edit)”, una canción de baterías machaconas y ritmos discoqueteros mediterráneos, pero de letra profunda, que toca temas de teoría musical, biología, astronomía, fotografía y gastronomía, que se repetirá hasta en dos remixes distintos más, al final del trabajo.

Mike Oldfield - Discovery (1984)

A Jorge y a mí nos mola cantidubi Mike Oldfield, para qué negarlo. Él mismo tuvo el honor de criticar para el blog el último disco de este grande, Man on the Rocks, en el que Mike nos ha demostrado que aún tiene mucha magia y calidad que ofrecernos. Y si bien más de una vez hemos pensado en hacer un macroartículo conjunto que recopilase la discografía de Oldfield... lo sentimos, nos da pereza, para qué engañarnos.

Pero aún puede hacerse algo, digo yo. Podemos (o puedo, o lo que se precie) analizar pasito a pasito y sin prisas marrulleras todo su trabajo de forma escalonada. Esto implica que un servidor abandone su hábitat natural, o lo que es lo mismo, la sección de música clásica, pero si el premio que obtengo es escribir acerca de uno de los grandes discos de este señor... ¿Dónde hay que firmar?

La Monja Enana – Pídeme un deseo (1999)

El blog va bien. La cosa funciona. La gente nos quiere. Nuestros streaming en Grooveshark, después de solo dos sesiones {hoy, miércoles [porque sí, ya es miércoles (¡mira, mamá, muchos niveles de paréntesis!)],  a las 17:00 la tercera}, se están convirtiendo ya en míticos, gracias a las altas cotas de mierda musical que estamos descubriendo y disfrutando entre todos. La mierda triunfa. El multiverso triunfa. La Monja Enana triunfó, o algo parecido.

Lo que voy a criticar, aviso por si su portada no lo hiciera ya, es puta mierda, pero también es un EP de solo seis canciones, así que se pasará rápido. Podía haber cogido alguno de sus trabajos más recientes, pero eso supondría habernos perdido la segunda pista, que es fastuosa. Y haber sufrido durante más rato.

Rammstein – Rosenrot (2005)

Por causa de ciertos problemas, no pude publicar ayer mi segunda entrada del Top 100 de RYM. Así que, para que no me echéis mucho de menos, os voy a dejar esta breve crítica de un disco que considero bastante infravalorado.

Rosenrot no es lo mejor de Rammstein. Eso es un hecho bastante consensuado, aunque se podría discutir al respecto: sea como sea, el trabajo, que llegaba apenas un año después de Reise, Reise, es el disco (incluyendo directos y recopilatorio reciente) peor valorado del grupo alemán. Desde su publicación habrían de pasar cuatro años para el siguiente trabajo de estudio, Liebe Ist Für Alle Da, lo que demuestra que quizás no tenían las cosas tan claras como poco antes de este trabajo (aunque ahora llevamos ya cinco años de espera… eso da que pensar).

En muchos sentidos, Rosenrot es un disco atípico. Sí, es pesado, es industrial, es duro, tiene ese sello Rammstein… pero si hubiera de buscar una palabra que lo definiera sería la de “melancolía”, o “languidez”, una sensación que prevalece tras escuchar muchos de los temas y, por supuesto, en el conjunto general.

Invierno, Antonio Vivaldi

Ha pasado un año y pico desde mi última entrada. A decir verdad, unos 13 meses, para ser exactos. ¿Los motivos de mi ausencia? Quizás que me sentía más cómodo escribiendo en otros blogs de temáticas distintas a nuestro querido Rockrítico, quizás que me daba pereza soltaros un rollo largo acerca de una música que por desgracia cada vez escucha menos gente... Me disculpo de antemano. 

Pero lo cierto es que tenemos nuevos colaboradores (¿habéis leído los artículos de Galis? El mejor fichaje que hemos tenido con diferencia...), el blog se está renovando y al final he acabado yo también contagiado de las ganas que le están poniendo los chicos las últimas semanas. En resumen: he vuelto, para bien o para mal, y la música clásica conmigo. Y como la primavera nos queda ya lejana y siempre me ha picado la curiosidad de analizar por estos lares Las cuatro estaciones del maestro Vivaldi, soltaré el tópico aquel que se ha puesto tanto de moda de "se acerca el invierno" para dejar constancia de que he regresado para quedarme. Al menos, hasta que me de otro ataque de vagancia o de depresión injustificada.

Foo Fighters - Sonic Highways (2014)

El hecho de que Dave Grohl es poco menos que el mesías del rock es algo que ya sabemos todos. Que si batería de Nirvana, que si luego los Foo Fighters, que si colaboraciones con Jack Black o Queens of the Stone Age o Ghost o Paul McCartney o quién sea... Todo admirable, desde luego. Y es un tío cachondo y genial, que se le ve. Sin embargo, le veo entrando lenta pero irremediablemente en la etapa del abuelo batallitas: que si "no cantéis canciones sobre culos", que si "los talent shows son una mierda", o incluso usando el manido "cuando yo era joven" en este artículo sobre Taylor Swift y su decisión de no alojar su música en Spotify. Que me parece todo muy bien, pero como siga así, a ver quién le aguanta en diez años.

Si hubiera que definir el disco que nos ocupa con una palabra, sería... "ambicioso", posiblemente. El proyecto Sonic Highways parte de la idea de recorrer las ciudades más importantes musicalmente hablando de los Estados Unidos, y grabar una canción en cada una, inspirándose en los sonidos de cada ciudad. Además, viene acompañado de una serie documental de la HBO del mismo nombre, que incluye entrevistas e historias muy interesantes: he visto tan solo dos capítulos, pero creo que es muy recomendable.

RYM Top 100 Greatest Albums of All Time (Top 96 – 100)

Cinco años hemos cumplido ya. ¡5 años! Y el primer lustro siempre hay que celebrarlo de manera especial. Mi manera, es un regalo para vosotros y para mí: aconsejóme Quixote en repetidas ocasiones que escuchara la lista de los 100 discos mejor valorados en la web Rate Your Music. Y he decidido hacer no solo eso, sino una crítica de cada uno de ellos. Breve, concisa, unas ideas clave que pueda concentrar para reunir cinco discos en cada entrada y que esto no sea interminable. Así que, comenzando por la parte final de la lista, y siguiendo siempre aquella que aparecía en la web el pasado domingo 9 de noviembre, ya que cambia muy a menudo, vamos a ello.

100 – Creedence Clearwater Revival – Cosmo’s Factory (1970)

Delictivo que hasta ahora no hubiera escuchado al completo este disco (que en la última actualización de la página se ha visto sustituido por el The Wall de Pink Floyd, del que ya hablaremos). De la Creedence conocía temas sueltos, y poco más. Error. Este quinto trabajo del grupo (que publicó su primer disco en 1968, otros tres en 1969, y dos más en 1970) es antológico del rock actual. Con un estilo que caballea entre el blues, el rock n’ roll más tradicional y eso que podríamos llamar “rock sureño”, con una considerable influencia country, su huella se hace notar en la mitad de la música setentera que llegue a vuestras radios.

Anochecer en Waterloo: El discurso

La música es, sin lugar a dudas, quizá la más importante y original de las creaciones humanas. Es el nivel más alto de abstracción que hemos logrado, no hay nada en nuestro mundo natural que se parezca en absoluto a la música. En este sentido, nuestro único descubrimiento comparable es la escritura: es algo que hemos ideado completamente de cero, ningún otra criatura del planeta es capaz de crear música, ni es la música la representación de algo tangible en la naturaleza. Han pasado miles de años hasta que el resto de las artes han podido ponerse al mismo nivel que la música en cuanto a pura creación, en lugar de simple copia del mundo (por muy técnicamente encomiable que sea dicha copia).

Es por esta absoluta abstracción que no se puede, de ninguna manera, hablar de música de una manera simple. Los libros son historias; los cuadros, imágenes. Al fin y al cabo, nuestra vida es básicamente una sucesión de ambos, así que sabemos muy bien lo que nos gusta cuando lo vemos: nos sentimos identificados con un personaje, admiramos la belleza de un paisaje, etcétera. ¿Pero y la música? Es tremendamente complicado saber localizar con exactitud cuales son las particularidades de una pieza que despiertan nuestro interés. Nos gusta porque nos gusta, y punto.

Tinariwen, @ Sala But, 13/11/2014

UN CANTO SAHARAUI

Esto debería ser la crónica de un concierto. Debería. Pero relatarlo como tal no está a mi alcance. Me faltan conocimientos del idioma, de la perspectiva del grupo en el tiempo y del contexto adecuado. Y es que aquí está la clave, en el contexto. Lo vivido el pasado jueves en la sala But es injusto que sólo sea denominado concierto. Se reúnen los elementos para ello, estoy de acuerdo. Colas antes de entrar en la sala, fans combatiendo con fotógrafos por hacerse hueco en primera fila, y unos tipos en el escenario que acarician guitarras de las que brotan sonidos que nos hacen viajar. Quizá la mejor denominación sería la de experiencia. La de comunión con un público que participa con ellos del show hasta encima del escenario. La de la visualización de ropajes extraños, telas de seda que envuelven cuerpos morenos descalzos. Me permito la absurda comparativa de sentirme Kapuscinski en Viajes con Heródoto. Algo distinto que me aleja de ellos al no entender las palabras que hay detrás de sus voces. Voces del desierto, de bereberes, de tuaregs. Para mi fortuna encuentro interlocutores entre el público. Vienen de Marruecos, de la frontera con Argelia, han viajado hasta el Muro del Sáhara Occidental. Es la víspera del 14 de noviembre. Hace 39 años que España olvidaba que tuvo una colonia y dejaba otra huella oscura de su historia. Marruecos y Mauritania se repartían el pastel. El pueblo saharaui era condenado al olvido, a la guerra, al exilio y a la ocupación.

Antílopez, @ Sala Galileo Galilei, 12/11/2014

NOCHE DE VARIEDADES

Esta vez comenzaré por el final, la valoración. Pero no la mía, quizá no hace falta que lo haga, se irá desgranando a lo largo de la crónica. Esta vez será el público de la sala Galielo Galilei quien hará de juez ante estos dos fenómenos. “Estos tíos son muy buenos”, una y otra vez durante toda la noche, cada cambio de canción, de vestuario y al salir a la calle tras más de dos horas de show. A estas palabras le unimos el final, con el público puesto en pie, aplaudiendo, rendido ante dos personajes que sacaron la expresión más espontánea del alma, la carcajada. O más bien las arrancaron puesto que su estilo desgarrador, potente, irónico, chulo y esperpéntico atraviesa nuestro cuerpo al menos por cinco sentidos y es que es un espectáculo recomendado como un conjunto sensorial.

Si me preguntan si vi un concierto diré que sí, si me preguntan que si vi un show humorístico también diré que sí, y si a estos dos artistas onubenses los llevan al Circo del Sol, estoy seguro que entrarían a formar parte del espectáculo principal mientras sobre sus cabezas vuelan trapecistas, funambulistas y les acompaña en la percusión la mujer barbuda. En el circo del Sol o en los Teatros de Variedades del Siglo XIX. Por suerte los disfrutamos en Madrid y en la sala Galileo, no hace falta viajar en el tiempo y pagar una entrada con la que no podamos llegar a fin de mes para vivir a los Antílopez.

Xoel López y Pepe Solla, @ Teatro el Arte, 06/11/2014

NOCHE GALLEGA EN LA CAPITAL 

Hay cosas que no deberían perderse nunca. Pequeños fragmentos de tiempo que rozan lo cotidiano y rompen la letanía que la rutina construyó. Tirarse en la cama a escuchar una canción, invitar a un amigo a cenar o tomar juntos una cerveza. Momentos que probablemente unidos no firmarían ningún guion hollywoodiense. Sin embargo son los que uno, pasado un tiempo, recuerda con más fuerza. Anoche, nos transportamos al sabor de 1906. Al recuerdo de “la colorada”. Una cerveza atemporal, adelantada a su tiempo que muestra su esplendor en estos días. La gama de la Estrella red vintage reúne a unos 150 amigos en el Teatro del Arte de la capital, situado en uno de sus barrios más castizos. Todos los detalles cuentan para firmar 2 horas anacrónicas a través de los sentidos. Del oído, sonidos antiguos versionados por el innovador Xoel López; y del gusto, por un maestro en la cocina que supo hacernos viajar a diferentes instantes de nuestra vida a través del paladar. Lo vivido anoche dentro del ciclo “Pequeños Grandes Momentos 1906” se recordará como el día que Galicia creó un recuerdo a Madrid.

Y como si de un marinero en tierra seca se tratase, Xoel López nos trasportó al espíritu emigrante del gallego. Él mismo así se sintió en Madrid cuando con apenas 20 años se trajo su guitarra y se puso a cantar en las calles de la capital y lo hizo con The Boxer (de Simon & Garfunkel), un canto a la lucha contra un entorno extraño y contra el peor enemigo al que uno se puede enfrentar: uno mismo.  

Gritando en Silencio – Maldito (2011)

Que tengamos en el blog a un nuevo redactor (¡hola, Galis, estoy saliendo en la tele!) que sabe de rock español una barbaridad y más no os exime de que tengáis que seguir aguantando mis críticas de este género. Porque es lo que me gusta, y punto.

Gritando en Silencio es una banda muy en la línea del rock urbano de los clásicos: Barricada, Extremoduro, Marea, La Fuga, Reincidentes… En fin, toda esa gente. Sin embargo, tienen dos cosas que los hacen destacar por encima de muchos otros discos similares del género: uno, su calidad musical suele superar a las de sus colegas de urbanidad (las influencias blues del Contratiempo, por ejemplo, se hacían bastante de notar); y dos, son tan majos que a pesar de su fama sus discos están en su web para descargar gratuitamente.

Yo no oculto que este disco me gusta bastante más que el anterior. Quizás influya que es un trabajo compuesto per se como unidad, y no está hecho tanto a base de retazos (solo “¿Dónde te has quedado?” vio la luz en una maqueta anterior, mientras que en Contratiempo había siete temas ya lanzados en los primeros EPs), lo que crea una unidad bastante interesante que deja lugar a un buen puñado de apuestas y estilos.

Tito MC – Rap Chungo Sevilla (2006)

Habitualmente, sabemos que cuando criticamos mierda en el blog no os estamos descubriendo gran cosa. Casi siempre son esperpentos de esos legendarios que sabéis que, por desgracia, existen. Y, por desgracia, también a veces nos enteramos de que esos artistas tienen una historia detrás, o algo así.

Eso pasa con Tito MC, pues antes (y, lo más triste de todo, es que también después) de ser el tipo aquel “que te focka la boca”, este señor tuvo una carrera no solo en la música, sino también en el cine. Me ha costado mucho desentrañar sus escarceos artísticos, porque no sé si las cosas que saca son singles largos, EPs, cáncer empaquetado en vinilos o anuncios del Ministerio de Turismo y el Ayuntamiento de Sevilla, pero el caso es que entre sus perlas, se rumorea que tiene un caché de 30.000 € (que se dice pronto, pero es 100 veces más de lo que cobra al mes cualquier becario de La Razón, por ejemplo) y que en un momento de su vida, lanzó esta “maqueta improvisada” con multitud de colaboraciones (de hecho, este señor no habla mucho en esto, lo que se agradece) cuyo título prometía. Prometía ser mierda. Y lo es.

ELE: "La música une y acerca a la gente. Tiene una parte humana y una parte del alma"

Te citan un viernes en una de las salas de rock más míticas de la capital, el Costello. Santuario entre otros del gran Leiva, el germen de Pereza. El paseo desde Sol hasta la calle del Caballero de Gracia se hace difícil por el conglomerado de gente que ya a las ocho está a punto de empezar el fin de semana. La nocturnidad madrileña tiene ese aire de castiza y acogedora que convierte de un paseo la oportunidad de encontrarse a la mayor variedad de tribus urbanas. Llego 15 minutos antes a la entrevista y me siento en las escaleras de un convento frente al Costello donde el entrar y salir de gentes me lleva a reconocer a Tom's Cabin, el protagonista de esa noche que conoció de primera mano la tortuosidad del tráfico en el centro de la capital. Todavía no sabía que la música celestial la iba a encontrar en la acera de en frente. Pasados cinco minutos de la hora acordada aparece en la puerta Cookie, mánager de ELE y a la que debo agradecer que me descubriera a esta cantante. Dos besos como saludo y llamada a Elena. A partir de ahora se llamará Elena Iturrieta para mí por la sencillez y empatía que demostró desde el momento en que responde a la llamada de Cookie y sale a las puertas del Costello. Una joven que viste de forma sencilla con vaqueros ajustados, camisa y unas botas con tacón que hacen el paso firme y fuerte. Vestimenta sencilla. Denota seguridad, no necesita de harapos estridentes que forjen un personaje que no es. De pelo rubio, un corte de cara tan dulce como su voz y una mirada que es una muestra de transparencia, claridad y alegría. Hay gente que sonríe con los ojos. ELE lo hace. Si después de esta entrada no quieren seguir leyendo la entrevista, perfecto, háganlo. Eso sí, casi es un ruego que busquen a esta artista que presenta su ópera prima en Internet. Aseguro que después de escuchar un par de canciones no podrán pulsar el pausa en el reproductor y volverán aquí para conocerla. Ahora que han vuelto, disfrútenla.

Brütal Köala – Brütal Köala (2014)

De vez en cuando, a los que somos críticos y nos gusta destrozar la vida de los músicos, se nos da la oportunidad de seguir a un grupo desde sus orígenes humildes, tocando en garitos de mala muerte frente a borrachuzos vociferantes, y esas cosas. Y entonces nos sentimos con el poder para encumbrar o hundir a una banda según cómo hablemos de ella a quienes no la conocen (ni la conocerán, si no es por lo que contamos).

Y luego, de pronto, surge un grupo como Brütal Köala (su wes está chulísima), al que sigues desde su origen, y te das cuenta de que has perdido ese poder. Primero, porque su música habla por sí sola y saben bien a dónde llevarla y cómo ganarse incluso al público de borrachuzos. Y segundo, porque son la hostia, y suenan como si tuvieran muy mala hostia (aunque sean más majos que las pesetas).

Y así nos encontramos con Brütal Köala, el primer EP homónimo de la banda, que ha visto la luz ni más ni menos que este 17 de octubre (y gratis para vosotros sus futuros fans, gracias a la magia del mundo moderno), después de algunos meses en que han tocado ya los temas y han compuesto y arreglado como cosacos. Porque no solo han hecho su música, sino que el señor Andrés ‘Jando’, batera de esta cosa, también ha hecho las mezclas. Y se han currado una presentación en formato físico con diseños chulísimos que ríome yo de algunos “profesionales” que hay por ahí.

Weezer - Everything Will Be Alright in the End (2014)

Weezer molaban, eso es un hecho. Sin embargo, después de 1996 y su aclamado Pinkerton, dejaron de molar. De hecho, hicieron mierda. Cierto es que no he escuchado prácticamente nada de esa etapa, pero la razón de eso es que todo el mundo dice que es mierda. De hecho, sacaron un disco cuya portada incluía únicamente al tipo grandote de Perdidos, lo que por lo general no es indicativo de obras maestras. Os reto a decirme un disco esencial que tenga la cara de ese tío en la portada. ¡No hay!

En cualquier caso, Rivers Cuomo se ha dado cuenta, como quince años demasiado tarde, de que estaba haciendo mierda, y en un movimiento sin precedentes, ha decidido volver a hacer las cosas bien. Y no sólo eso, se ha... disculpado. ¿Podéis creerlo? ¿Cuántos artistas harían la de "lo siento mucho, no volverá a ocurrir"? Sin embargo, ese es básicamente el propósito de "Back to the Shack": la canción empieza con una disculpa.

Rosendo @ Plaza de Toros de Las Ventas, 27/9/2014

LA NOCHE CON LA QUE HABÍA SOÑADO EL ICONO DE CARABANCHEL

A medida que avanzaba la tarde el cielo se iba encapotando en Madrid. Y no me extraña. El sol, protagonista hasta pasadas las cinco de la tarde bajaba el telón en forma de nube para rendir pleitesía al icono que iba a alzarse sobre un mítico escenario de la capital. Horas más tardes y desde los al rededores de la plaza de Manuel Becerra bajando por la calle de Alcalá se mascaba el ambiente de día grande en el coso taurino de Las Ventas. Expertos en la materia, con tardes como esta a sus espaldas sabían que lo de hoy no iba a ser “uno más”. Vestían con camisetas negras y eslóganes que podían haber marcado su lema vital. Las copas de Whisky con cola ayudaban a atemperar los nervios y a soltar la lengua recordando lo que habían vivido y proyectando en su mente lo que estaba por vivir. Al fin y al cabo todos habían interpretado con mayor o menor suerte, celo o rabia, “Maneras de vivir”.  Parecía que tocaba otra noche sin dormir.

Los que buscaban alternativas al corte de coletas han debido de pensar que su plaza ha sido mancillada para siempre. Los Mercado intercambiaban los papeles y el pequeño, Rodrigo, se ponía el primero en el escenario para, sin coleta, y con mucho reggea calentar las gargantas rotas de los 17.000 incondicionales que esperaban a su padre. El chico comparte una personalidad fría y unas letras castizas, que no castas, en sus formas con el padre. Eso sí, no parece haberse influenciado mucho por él y los amigos que le secundaban en el escenario. Es un tipo espigado que sin rastas y con ropajes sencillos forma melodías procedentes del otro lado del atlántico y que ha heredado el talento familiar para la música. Rodrigo Mercado es la evolución de un salto de 30 años de cambios  en la música y donde los ritmos marcados y melódicos del reggea y el hip hop se adueñaron de las calles de los barrios humildes de Madrid.

Almodóvar y McNamara – ¡Cómo está el servicio… de señoras! (1983)

Hace cosa de algo más de 30 años (cerca de 35, vaya), con la espuma pijopop de la Movida despegando en la capital madrileña, a un tipo se le ocurrió que sería muy divertido travestirse, convencer a un amigo para que hiciera lo propio, y subirse ambos al escenario del Rockola para cantar canciones horrendas, sin tener ni puta idea de composición, ni de interpretación, ni de nada que no fuera hacer el moñas, en general. El tipo en cuestión se llamaba Pedro Almodóvar, y el amigo Fabio McNamara.

No ocultaré, desde el minuto cero, mi aversión por este dúo. Quiero decir, el cine de Almodóvar nunca me ha gustado, pero comparado con esto, el hombre es poco menos que Akira Kurosawa. Y McNamara tiene el dudoso honor de haber sido el borracho más soplagaitas de la Movida, que puso el último clavo en un ataúd ya casi terminado de fabricar. Así que, qué queréis, lo disfruto mucho insultándoles.

La ventaja del nuevo formato del blog es que no nos vemos obligados a despiezar canción por canción un disco, lo cual es maravilloso, porque así puedo escuchar esto por encima y sin sufrir mucho de ETS en los oídos. ¡Cómo está el servicio… de señoras! es una suerte de recopilación de los ¿grandes éxitos? (les gustaba mucho el término… incluso Alaska y los Pegamoides titularon así, olé su coño moreno, a su único disco de estudio) que el grupo tenía en su haber. O sea, básicamente, de intentar sacar pasta lanzando un disco de estudio con las chorradas que hacían en directo.

Coraluna - Más que personal (2013)

¿Recordáis aquella infame campaña del poderoso lobby anti-invidentes que nos intentó convencer de que los ciegos no saben cantar? ¿No? Pues tuvo que ocurrir, porque eso lo único que explica la existencia de este disco.

Analicemos la portada detenidamente. ¿Quién leches ha diseñado esto? En serio, a mi me dan esto y lo primero que pregunto es quién es CoraLuna y cómo ha muerto. Coraluna es un ángel del sielo, obviamente, pero están de recortes en el más allá y solo hay alas borrosas. O eso o la tía va ahí en plan colibrí tó ciclada y las bate tan deprisa que no se ven bien. La elección de fuente es tan poco acertada que en alguna parte, el creador de Comic Sans suspiró aliviado. Me gusta la sombra de "CoraLuna" porque supongo que pretende dar a todo aquel que la vea una ventana al mundo de los hipermétropes. Pero ya basta de hablar de esto.

El caso es que Coraluna lleva tiempo siendo una figura importante dentro de la mitología rockritiquiana: hará un año (o no, quién sabe), George se hallaba escuchando alegremente a los Pink Floyd, porque es un fan del prog muy mainstream, en Spotify. Pero su serena felicidad fue turbada por un anuncio sobre el nuevo single de esta señora, "Tengo Derecho". Como todo joven que aspira a ser un famoso periodista, supongo, George decidió twittear su desgracia, diciendo algo así como que "quién diablos era esta señora para interrumpir a Pink Floyd". El caso es que los tres fans de Coraluna, que probablemente estaban patrullando el ciberespacio en busca de mensajes ofensivos se percataron de tal afrenta, e inmediatamente pusieron a Pink Floyd a la altura del betún, como es obvio. Muchas lágrimas después, sólo nos queda el recuerdo y, ahora, esta crítica.

El disco es un bostezo de cuarenta minutos de duración que no vale ni para Cadena Dial, siendo francos y honestos. Para empezar, si esta mujer no fuera ciega, probablemente no hubiera llegado a Operación Triunfo, que como todos sabemos es un programa que se emitía en la cadena de la mugre, Telecinco. Así que donde pone desgracia, ellos leen d€$gracia, porque son muy modernos. Y así les pasa.

3x1: Soda Stereo/Gustavo Cerati

Llevamos unos seis meses sin publicar nada, debido a lo que voy a llamar "compromisos educativos", primero, y "hastío estival" después. Podéis echarle la culpa a Spartan George que para eso está.

Sin embargo, hace unas semanas, me enteré de la muerte del hombre que consiguió que dejara de pensar que la música en español iba a ser siempre necesariamente inferior a la anglosajona. Su originalidad, su status de pionero del rock en este idioma, su increíble habilidad lírica, fueron definitivamente únicas. George y yo estuvimos de acuerdo en que Rockrítico había de volver, aunque sólo fuera para homenajear al genio. Tras unos días de arduas negociaciones con viejos y nuevos miembros de la página, acabamos planeando una vuelta completa al blog.

En cualquier caso, vamos a lo que vamos. Gustavo Cerati, en tres discos. Adiós, maestro.

Mike Oldfield – Man on the rocks (2014)

Resulta cuando menos curioso que, a pesar de lo fanáticos que somos Pablo y yo del compositor de Reading, hasta ahora no le hayamos dedicado ni una sola reseña en el blog. Más de una vez hemos planteado un macroartículo recorriendo toda su discografía, como ya hiciéramos en su momento con 30 Seconds To Mars y Muse, aunque dada la dilatada trayectoria de Oldfield (25 discos de estudio, más un sinfín de conciertos, reediciones y compilaciones...), siempre lo hemos ido posponiendo.

Sin embargo, cualquier momento es bueno para empezar, y ninguno mejor que ahora, pues el músico, con sus buenos 60 años ya cumplidos, lanzó el pasado 3 de marzo su vigésimo quinto disco de estudio, que lleva por título Man On the Rocks. Un disco que la crítica ha acogido cálidamente, aunque sin excesivos elogios, y que ha dividido por completo a los fans.

Paco de Lucía – Fuente y caudal (1973)

Rondaba el año ’63 cuando un chaval gaditano, de Algeciras, que contaba con apenas 16 años, publicó junto con su hermano Pepe un disco de flamenco titulado Los Chiquitos de Algeciras. El chaval no será otro que un jovencísimo Paco de Lucía, probablemente el hombre que mejor ha dado a conocer la cultura musical española en todo el mundo... o al menos, el que ha producido la de mayor calidad fuera de nuestras fronteras.

Claro que en aquel momento Paco no era del todo Paco, sino que seguía siendo más Francisco Sánchez. La suya fue una carrera larga y tortuosa, de mucho trabajo duro (tocaba de oído, y no sabía ni una palabra de teoría musical), aunque él siempre negara eso del “doloh de la creasióh” y afirmara que lo que más le gustaba en el mundo era “estar eshao”; como fuera, habrían de pasar aún 10 años, hasta encontrarnos con un Paco ya entrado en la veintena, para que publicara Fuente y caudal.

Las 10 mejores canciones de 2013 (II)

5. Grouplove - Ways to Go

La entrada más... hipster, por decir algo, de la lista. Grouplove es una banda californiana y este es el primer single de su segundo disco. Pop pegadizo y electrónico, para bailar y cantar, muy bien hecho. La mezcla de voces, femenina y masculina, funciona fenomenal.

"Ways to Go" es una canción genial, y viene apoyada por un videoclip que por si solo ya merece su inclusión en esta lista. Todavía no he escuchado el disco completo, pero no tardará en caer. Sin duda, un grupo a tener en cuenta.